Ronnie Arias : "La tele tiene que mostrar cosas con las que podamos identificarnos"

Buenos Aires, 18 de octubre (Reporter). Ronnie Arias está muy involucrado con el tratamiento de temáticas de orden social en la televisión desde su participación en "La Liga" y por ello se sumó a la presentación de "Televisión por la Identidad". "La tele tiene que mostrar cosas con las que podamos identificarnos, cosas que nos representen. Y, lamentablemente, el tema de los chicos apropiados en la dictadura nos representa a los argentinos", espetó.

"Propuestas como la de 'Televisión por la Identidad' están bien por el hecho de que haya ficción en la tele pero también por el hecho de que haya cosas creíbles en pantalla", explicó a Reporter Ronnie Arias en la presentación que se hizo en El Garaje de la nueva propuesta de Telefe.

El conductor detalló que "está bueno que se hagan cosas para que los atores tengan laburo pero también para que la gente tome conciencia de temas que antes no se tocaban".

"Antes, si no te lo contaban no te enterabas. Uno es como un caballo, no ve lo que tiene al costado -explicó-. Yo en los 80 trabajaba como cadete y no sabía nada de nada; iba al Banco Central y pasaba al lado de algo que no veía. Está bien que tenía 16 años; cuando tuve 18 y fui al servicio militar me enteré a la fuerza de todo. Pero hasta 1981 era casi un ignorante".

Ronnie destacó que "La Liga" marcó "un antes y un después" en lo que respecta a informes periodísticos. Y en el mismo sentido de hito para la pantalla chica señaló el estreno de "Televisión por la Identidad".

"De las propuestas de Abuelas de Plaza de Mayo esta va a ser la más efectiva -destacó-. El teatro, por ejemplo, tiene una convocatoria reducida; no todo el mundo tiene la paciencia de sentar el culo en la silla para ir a ver una obra. En cambio, en la tele, estás en el zapping y si pasás por un programa como este, te quedás. Creéme". (Reporter)

LL

Ariel Rot: "Mi proyecto para los próximos treinta años es triunfar en la Argentina"

Buenos Aires, 24 de octubre (Reporter, por Laura Lunardelli). Con un show programado para el 17 de noviembre en la calle Corrientes, Ariel Rot celebrará sus treinta años de trayectoria en un país en el que, a pesar de ser el propio, aún no obtuvo el reconocimiento que merece. "Mi proyecto para los próximos treinta años es triunfar en la Argentina", espeta.

Parte fundamental del rock en español, primero con Tequila y después con Los Rodríguez y también con sus trabajos en solitario, Ariel Rot goza de gran prestigio en España, país en el que se radicó siendo apenas un adolescente.

Y muchas son las esperanzas para que su música corra igual suerte en un futuro inmediato en la Argentina. Acaso por ello desde hace casi un lustro se propuso traer más seguido su música a esta parte del mundo.

El sábado17 de noviembre a las 22.30, concretamente, Rot actuará en el Teatro Metropolitan de Corrientes 1343 de la Ciudad de Buenos Aires, con un espectáculo que se denomina "30 años con la música".

Pero otra novedad de Rot por estos días es el lanzamiento en la Argentina de "Dúos, tríos y otras perversiones", un álbum en el que reversiona sus propios temas acompañado por músicos que él mismo denomina "socios de lujo": Amaral, Fito Páez, Enrique Bunbury, Miguel Ríos, Quique González, Andrés y Javier Calamaro…

+ Desde el arte de tapa del disco definís a tus invitados como "socios de lujo", ¿cómo los elegiste?

La lista de invitados podría haber sido el doble, pero tuve que avanzar con lo que tenía cuando en el estudio me dijeron "ya habría que mezclar". Es que se complica porque las agendas son difíciles de combinar. Por otro lado, me la estaba pasando tan bien que si por mí fuera no habría terminado nunca de invitar gente. Estuve muy feliz haciendo de anfitrión.

+ ¿Y cómo elegiste el repertorio y qué canción cantaría cada músico?

Cada canción funcionó como una historia personalizada. Y, más allá de que yo tuviera sugerencias acerca de qué canción cantara cada uno, los invitados tenían la última palabra… Claro que hay cosas mágicas en este disco, como que hayamos hecho con Andrés (Calamaro) una versión simple, casi escueta de "Cenizas en el aire", y con Miguel Ríos nos hayamos ido al otro extremo, grabando "Lo siento Frank" con tantos músicos que tuvimos que cambiarnos de estudio, porque participó una big-band.

+ ¿Cómo se trabajó el álbum desde la producción artística para dar coherencia a la conjunción de músicos tan diversos?

Los discos de duetos pecan de extrema coherencia; a mí me interesaba que cada uno suene a sí mismo. Y lo que homogeneizó el disco fue el lenguaje rock. Porque hubo mucho coqueteo con otros géneros pero el disco es un disco de rock.

+ ¿Y qué repertorio vas a incluir en el inminente show argentino?

El show será similar al que estoy dando en España pero con algo menos del repertorio de Tequila… Habrá canciones que tienen treinta años y otras que tienen tres… Porque el show tiene que ver con el treinta aniversario.

+ ¿No incluís parte del repertorio de Tequila porque el público argentino es diferente al español? ¿Te sentís más parte del rock español que del argentino, a pesar de haber nacido en la Argentina?

Estoy en un capítulo muy destacado en la historia del rock español y en la Argentina no figuro ni en las encuestas de los suplementos de los diarios. Esta es la realidad. Tengo treinta años de trayectoria en España pero acá hace muy poco que me propuse asentarme… hará unos cuatro años que me puse el objetivo de hacer mi música en mi país. Ojalá pueda recuperar el lugar, o ganarlo. Mi proyecto para los próximos treinta años es triunfar en la Argentina. Igualmente, me gusta que aún haya lugares vírgenes para tocar; es algo que tiene su encanto. No deja de ser un desafío. (Reporter)

LL

Ariel Rot celebra treinta años con el rock

Buenos Aires, 24 de octubre (Reporter). Afamado por sus participaciones en los grupos Tequila y Los Rodríguez, Ariel Rot está cumpliendo treinta años de trayectoria en el rock español y se convirtió en un referente indiscutido del género.

Nacido en Buenos Aires en 1960, emigró a España siendo un adolescente e inmediatamente formó la banda Tequila, con la que grabó discos como "Matrícula de honor" (1978), "Rock and roll" (1979), "Viva Tequila" (1989) y "Confidencial" (1981).

Además de Ariel, formaban Tequila Alejo Stivel, Felipe Lipe, Manolo Iglesias y Julián Infante. Con este grupo cosechó éxitos como "Salta" o "Rock and roll en la plaza del pueblo", temas de los que es co-autor y que se convirtieron en verdaderos himnos para toda una generación.

Tras la disolución de Tequila en 1983, comenzó su carrera solista. Fue entonces cuando, en una breve estancia en la Argentina, conoció a Andrés Calamaro y colaboró en sus discos "Por mirarte" y "Nadie sale vivo de aquí".

Fue a su regreso a España que Rot formó Los Rodríguez, junto a Calamaro, Infante y Germán Vilella. El grupo grabó siete discos entre 1991 y 2002 y marcó una época con canciones como "Sin documentos", "Dulce condena", "Hace calor" y "Milonga del capitán", de los que Ariel es autor.

Con la ruptura del grupo Rot retomó su carrera en solitario, que se corona hoy con la edición de "Dúos, tríos y otras perversiones" (2007). Antes, también como solista, editó "Debajo del puente" (1984), "Vértigo" (1985), "Hablando solo" (1997), "Cenizas en el aire" (2000), "Lo siento Frank" (2003) y "Ahora piden tu cabeza" (2005). (Reporter)

LL

La Fuga llega a la Argentina con rock y modestia

  Buenos Aires, 26 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). El grupo de
rock español La Fuga acaba de editar en la Argentina su disco "Negociando
gasolina" y vendrá a presentarlo en vivo con una gira que incluirá shows en
la capital y el interior. A pesar de contar con una década de trayectoria,
La Fuga llegará al país "con la ilusión del principiante", según acotaron
los propios músicos.
   "Para una banda como nosotros de inquietos es un aliciente muy bueno
tocar por primera vez en la Argentina", señalaron desde España, en diálogo
con Reporter, los miembros de una agrupación que ya cuenta con un nombre en
su país producto de su larga carrera pero que no tiene empacho en empezar de
cero en otras geografías.
   Con un rock sencillo y pegadizo, con letras que reflejan la cotidianeidad
de sus integrantes, La Fuga surgió en 1996 en Reinosa (Cantabria), y su
discografía incluye trabajos como "Mira" (1998), "A golpes" (2000), "A las
12" (2001), "Calles de papel" (2003) y "Negociando gasolina" (2006).
   Edu (batería), Nando (guitarra), Rulo (bajo y voz) y Fito (guitarra)
llegarán a estas pampas en pocas horas más para realizar una gira conjunta
con Bulldog que los llevará el viernes 11 de mayo a Córdoba (Captain Blue),
el sábado 12 a Rosario (C.E.C.), el miércoles 16 a Santa Fe (Microestadio
Unión de Sta Fe), el viernes 18 a La Plata (565) y el sábado 19 a la Ciudad
de Buenos Aires (El Teatro).
   + La Fuga tiene una década de carrera, ¿la visita a la Argentina es como
un volver a empezar?
   Sí. es ilusionante por eso. Es como partir casi de cero. Para una banda
como nosotros de inquietos es un aliciente muy bueno. No queremos acabar
siendo funcionarios del rock y hacer todos los años lo mismo. En España
haremos un parón de un año fuera de los escenarios, mientras tanto
prepararemos un nuevo disco y haremos varias escapadas a Sudamérica.
   + ¿Qué expectativas tienen sobre cómo les pueda ir con el público
argentino?
   Vamos con la ilusión del principiante. Al ser un grupo que damos mucha
importancia a las letras, al mensaje, pues pensamos que podríamos conectar
con el público argentino. Nos han dicho que es un público muy pasional y
enérgico. No sabemos que aceptación habrá, si es que la hay. Pero solo
llegar a tocar allí será un éxito para nosotros.
   + ¿Qué tantas referencias tienen del rock argentino? ¿Les gusta algún
artista o banda en particular?
   Conocemos a Bersuit, Bulldog, Attaque 77. algo menos a Babasónicos, y a
Andrés Calamaro poque en España es muy conocido. Aprovecharemos este viaje
para empaparnos de bandas argentinas y traernos discos a España.
   + En España han compartido escenario con artistas tan disímiles como
Rosendo y Dover, un clásico y un moderno, respectivamente. Y en su nuevo
disco participa El Drogas de Barricada, otro clásico del rock español. ¿Se
sienten identificados con alguna corriente en particular de su país?
   Nosotros hemos mamado, desde muy pequeños, de todos los grupos del
llamado rock nacional: Barricada, Leño (que era el grupo que tenía Rosendo),
Los Suaves... Aunque somos muy abiertos musicalmente y en nuestras
discografías particulares de casa tenemos discos de todo tipo de grupos.
Creemos en la música con mayúsculas más que en estilos. Aunque lo nuestro es
hacer rock. (Reporter)

LL

El público argentino es de una "cultura inigualable", según Jorge Drexler

   Buenos Aires, 24 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). Jorge Drexler
actuará en cuestión de horas ante un público argentino con el que mantiene
un fuerte romance y al que definió como de una "cultura inigualable" y con
"un desparpajo inteligente y expansivo".
   "Después de moverme por muchos lugares lo que me llama la atención del
público porteño es su atención respetuosa pero muy participativa y con una
alegría palpable, con un entusiasmo muy expresivo. El público tiene un
desparpajo inteligente y expansivo que tiene la ciudad en general", dijo
Jorge Drexler a Reporter.
   Según el músico, "para cualquier artista es un placer subirse a un
escenario en Buenos Aires. Lo charlás con todos los colegas que vienen a
tocar aquí y todos vuelven enloquecidos".
   + ¿No es una actitud algo demagógica de parte de los artistas eso de
decir, cuando llegan al país, que no hay público como el argentino?
   Pero yo hablo con ellos fuera y lo dicen igualmente. El argentino es un
público fiel. El público español, en cambio, es absolutamente infiel: un
verano se te entrega y al siguiente te da la espalda. El público porteño
tiene lo mismo que la gente conversando, tienen una fe en sí mimos y una
cultura inigualable. Son muchas generaciones de bibliotecas y discotecas
complejas. Es muy raro generalizar pero yo encuentro que la gente de mi
generación en España se crió en una situación muy dura, cuarenta años de la
dictadura franquista bloquearon su cultura; hay una bonanza económica y
muchas cosas que funcionan bien, como por ejemplo el sistema judicial, y es
un país en el que es muy lindo vivir. Pero tiene muchos bloqueos culturales
y afectivos. Acá están mucho más al día de lo que pasa en la música mundial
que en España, por ejemplo. Yo vengo aquí y me parece estar más cerca de
Nueva York y de Londres que cuando estoy en Madrid. Buenos Aires está
siempre pendiente de lo último. (Reporter)

LL

Jorge Drexler: "Soy un músico anti hit y me encanta"

   Buenos Aires, 24 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). Jorge Drexler
actuará en la Argentina los próximos 26, 27 y 30 de abril para presentar el
repertorio de un disco "12 segundos de oscuridad" al que definió como "nada
radiable" e "invendible". "Soy un músico anti hit y me encanta", sentencia
el músico.
   Si bien este artista tan rioplatense como español -desde que su padrino
Joaquín Sabina lo hizo desembarcar en la Madre Patria- siempre ha mantenido
una misma línea compositiva, su más reciente trabajo es particularmente
personal e introspectivo, al punto de reconocer el propio Drexler que nadie
lo escucharía de no ser por su previa exposición mediática producto de haber
ganado el premio Oscar con su canción "al otro lado del río", de la película
de Walter Salles "Diarios de motocicleta".
   Ocurre que en "12 segundos de oscuridad" Drexler habla de su vida privada
como no habla en las entrevistas. Porque el trabajo lo compuso en medio de
la separación de quien fue su esposa por algo más que una década, la también
cantante Ana Laan. Claro que, a ciencia cierta, no se sabe si las historias
son propias o ajenas. Esta es su forma de protegerse de quienes quieren
inmiscuirse en su privacidad.
   "En algunas canciones hablo de mí pero en otras no" -sentenció Drexler,
en diálogo con Reporter-. Soy una persona muy pudorosa y no podría explicar
más de una canción que lo que la canción dice".
   Biográficas o no, sus canciones serán presentadas el jueves 26 y el
viernes 27 de abril a las 21.30 en el Teatro Gran Rex de la calle Corrientes
y el lunes 30 a las 21 en el Teatro Coliseo -en Marcelo T. de Alvear 1125-.
Lo acompañarán Vicent Miñana "Huma" en guitarra, Borja Barrueta en batería,
Diego Galaz en violín y mandolina, Ignacio Benedetti en samplers y
programación y Miguel Rodrigañez en contrabajo.
   Pero Drexler no hará únicamente el repertorio de "12 segundos de
oscuridad" sino también canciones de álbumes como "La luz que sabe robar",
"Radar", "Vaivén", "Llueve", "Sea" y "Eco".
   + ¿Cómo van a ser tus shows del Rex y el Coliseo?
   Hay canciones del disco nuevo que no van a estar por ser demasiado
íntimas. Me daría pudor tocarlas. Un show en vivo es una instancia muy
expansiva, es algo centrífugo, y este disco es todo lo contrario, es muy
introspectivo, es centrípeto. A mi me gusta el balance de hacer pública una
introspección, pero me gusta contrapesarlo con otras canciones antiguas.
Igual es cada vez mas difícil tocar un disco entero en vivo porque ya son
como cien canciones grabadas y siempre hay un montón de temas que me
encantaría tocar y no encuentro el sitio.
   + Calificás de "introspectivo" tu nuevo disco. ¿Lo es al punto de
convertirte en un artista anti hit?
   Soy un artista anti hit y me encanta. Nunca creí mucho en el sistema de
los singles. He tenido muchas canciones que se han oído mucho pero las
canciones que se han escuchado más, como "Del otro lado del río", son
canciones impasables en la radio. No son canciones fáciles ni lindas para
escuchar en la radio porque tienen metáforas y cambios tonales para nada
radiables. En este disco calculo que a la compañía le habrá costado
encontrar un single. "Transoceánica", que es el primero que pusieron, tiene
un estribillo bastante complicado. Tengo una discográfica valiente, porque
mi disco es invendible. Si no hubiera tenido antes un proceso mediático como
el del Oscar le hubiera costado abrirse camino en los circuitos comerciales,
porque es un disco que no tiene foto de portada ni de contraportada, ni un
título fácil de recordar ni fácil de explicar, ni optimista, porque tiene la
palabra oscuridad que en el mundo hispano es como una lápida. Uno tiene que
hacer lo que tiene que hacer. Y esa difusión mediática que tuvo mi trabajo
en el último año me permitió agarrar toda esa energía y reconvertirla en
resultados artísticos y personales. Aprovechar que la gente lo iba a mirar
de cualquier manera y decir lo que yo quería decir. Es la permutación
alquímica de la energía mediática en resultados artísticos.
   + ¿Te sentís un privilegiado en un contexto musical en el que el mercado
lo rige casi todo?
   A mi también me interesa vivir de esto pero mi gran privilegio no es
tener una gran difusión, que está muy bien, ni vender muchos discos, que
está muy bien, sino poder hacer tres teatros en Buenos Aires haciendo
exactamente lo que quiero hacer. Incluso con movimientos de exposición y
riesgo en las canciones. Es bueno saber que puedo llenar tres teatros en
Buenos Aires con un disco tan reflexivo más que con un disco que hubiera
sido en boom en Miami.
   +  Entre tantas ventajas, ¿tu carrera tiene algo de negativo?
   Me dificulta la falta de periodicidad en mi vida; no puedo hacer un curso
de yoga, no puedo hacer un curso de cata de vino, no puedo tener una
regularidad ni en andar en bicicleta, no tengo períodos fijos con las
personas que quiero, a veces no tengo tiempo mental para leer, ni para ver
todas las películas que quiero, ni para hacer un curso de historia del arte
que me encantaría o un taller literario. desarrollar algún tipo de rutina
aunque sea de de bajar siempre al mismo bar. Vivo una existencia muy en el
aire. Creo que alguna vez lo podré mejorar. Ya me he desarraigado muchas
veces: de Montevideo a Madrid, de Madrid a la Sierra, ahora de la Sierra de
vuelta a Madrid. estoy apenas ratitos con la gente que quiero.
   + Pero tu música es producto de esa trashumancia.
   Yo escribo de lo que vivo, tanto de lo que disfruto como de lo que sufro.
Me interesa mucho que mi música sea un reflejo de lo que vivo, de lo bueno y
de lo malo. Si estuviera quieto escribiría de otras cosas. Tengo ganas de
estar quieto. Si estuviera quieto profundizaría en el estudio de la
guitarra, me metería a estudiar el folclore de mi región profundamente, a
investigar las raíces, a leer mucha poesía, a meterme en alguna tradición en
el sentido de profundizar más en lo que hago. Pero por ahora mis canciones
no pueden hablar más que del vértigo y del movimiento, que es una
experiencia también, y que está muy bien. Pero en este momento lo que más
anhelo es un poco de sedentarismo en vez de trashumancia. Pero no se puede
tener todo. (Reporter)

LL

"Argentina es el país más rockero de Latinoamérica", según Manolo García

   Buenos Aires, 23 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). El próximo 3
de mayo el músico español de pop rock Manolo García actuará en el teatro
ND/Ateneo de la Ciudad de Buenos Aires. Y está más que ansioso por llegar a
un país que "es el más rockero de Latinoamérica", según sus propios dichos.
   "Tengo mucha ilusión por llegar a la Argentina. He estado tres veces allí
pero nada más saber que iré nuevamente hace que me sienta como un niño con
zapatos nuevos", dijo Manolo García a Reporter, en diálogo telefónico desde
Girona.
   El músico es afamado aquí por su liderazgo en el grupo que cobró
popularidad en los años 80 en España y en el mercado de habla hispana todo
bajo el nombre de El Último de la Fila. Y su performance solista también es
muy admirada.
   "Soy un amante del continente latinoamericano y un amante de la geografía
y del paisaje -dijo García-; en España se ha machacado mucho el paisaje y
ello me hace mirar otras geografías".
   Según el artista español, le atrae visitar geografías de una virginidad
que no es común en Europa, donde se ha hecho estragos con la naturaleza.
   Además, lo motiva el rock de estos lares, del que admira a personajes que
van desde Charly García y Luis Alberto Spinetta hasta su casi coterráneo
Andrés Calamaro.
   "Argentina es el país más rockero de Latinoamérica", dijo Manolo, para
definir un panorama musical nacional al que se sumará en los próximos días,
cuando actúe en el teatro ND/Ateneo -en Paraguay 918 de esta capital-.
(Reporter)

LL

Manolo García: "Mi oficio es crear magia"

   Buenos Aires, 23 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). "Para que no
se duerman mis sentidos" se llama el trabajo discográfico que acaba de
lanzar el cantautor rocker Manolo García. Y más que despierto está el
español que en pocos días llegará a la Argentina para mostrar en vivo su
nuevo repertorio. "No me interesan las ventas más que para obtener los
medios para llevar un buen espectáculo. Mi oficio es crear magia", espeta, a
la vez que reniega de una sociedad industrial que todo lo rige. Salvo el
arte auténtico, claro.
   Hace casi tres décadas que Manolo García hace música. De raíz sureña y
mediterránea, de giro aflamencado y con la fuerza y la energía del rock, el
español ex integrante de El Último de la Fila expone en su nuevo disco
canciones que elevan los valores de la utopía, la solidaridad y la libertad
ofreciendo la posibilidad de lecturas abiertas, siempre de manera luminosa y
positiva.
   Que Manolo García maneje su oficio casi de manera artesanal y alejado de
los grandes centros urbanos no va en contra de una convocatoria
multitudinaria. Sus giras han tenido que prorrogarse en varias ocasiones y
en todos las boleterías de España se ha colgado el cartel de "no hay
entradas". Como si esto fuera poco, ha vendido unos dos millones de copias
de sus álbumes solistas.
   "Para que no se duerman mis sentidos" llega tras "Arena en los bolsillos"
(1998) y "Nunca el tiempo es perdido" (2001). Y le ha llevado tres años de
realización entre y Los Ángeles y Girona, provincia catalana desde la que
habló telefónicamente con Reporter sobre su novedad discográfica y respecto
del show que tendrá lugar en el teatro ND/Ateneo de la Ciudad de Buenos
Aires el próximo 3 de mayo.
   + En tiempos en que prima la inmediatez y lo efímero en todos los ámbitos
de la música pero sobre todo en el pop rock te tardaste tres años para
realizar un disco, ¿tu trabajo es artesanal?
   Como autor de música pop rock no tengo ningún afán de perdurabilidad.
Intento ser feliz en el día a día. Por otro lado, el oficio de músico es muy
lindo y mi afán es disfrutarlo. El músico nació como un trovador que iba de
feria en feria contando historias. Y hoy, hay que pelear con un
establishment muy duro. A mí no me interesa entrar en el juego de los
premios, los galardones, las cifras de venta. Además, he llegado a una
situación en la que lo que hago le gusta al resto. ¿sabes?... es como dicen,
eres tú y tus circunstancias. acaso me he creado una burbuja propia, pero si
vivo feliz en ella está bien.
   + La lírica de las canciones de tu nuevo disco es enrte introspectiva y
existencial. ¿Tiene que ver con un estado anímico en particular o ya es algo
así como una filosofía de vida?
   Más que obedecer a un momento anímico puntual, se trata de un códice de
mi filosofía personal de bolsillo. Es mi modo de ser y estar. Puedo hacer lo
que me gusta y tener tiempo para ello. Es una lotería que me tocó. Desde
niño pedí a los dioses lo que después me ha ido tocando. Y pasó porque
demostré que no era un capricho. El rock es la música que te alegra el día.
Yo me levanto y empiezo el día escuchando música. Y todo esto no puede no
reflejarse en mis canciones.
   + ¿Por qué elegiste la canción "Para que no se duerman mis sentidos" para
dar título a tu disco?
   Es una pequeña declaración de principios, un dogma de fe. Hay que empezar
siendo amable con uno mismo para poder ser amable con los demás. Si a uno no
le gusta el mundo en que vive tiene que construir su propio mundo. Y yo he
hecho eso. A mí la sociedad industrial no me gusta y por ello me mantengo
alejado de lo que me resulta negativo. En la medida en que puedo, claro.
   + Pero para hacer música hay que estar inmerso sí o sí en la sociedad
industrial.
   Sí. hay dos facciones muy diferentes: el músico que sólo tiene un afán de
éxito y de lucro y el que lanza su mensaje y la música es su medio de
expresión. Está claro que sólo quieren que seamos usuarios y consumidores.
Pero, a mi entender, estamos montados en un tren que va en una dirección
equivocada. Por ello, el músico de rock tiene que llevar la cabeza bien alta
y hacer su música. En mi caso en particular, no me interesan las ventas más
que para obtener los medios para llevar un buen espectáculo. Mi oficio es
crear magia. (Reporter)

LL

Raúl Perrone: "De la falta de presupuesto hice mi estilo"

  Buenos Aires, 13 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). Hacedor de un
estilo que hoy es moda y que incluye en el llamado "nuevo cine argentino"
una impronta contemplativa y no-actores en los roles protagónicos, Raúl
Perrone es, con dos décadas de carrera, un icono del séptimo arte
independiente. "De la falta de presupuesto hice mi estilo", espeta.
   La película "Canadá" de Raúl Perrone se eligió para el final del Buenos
Aires Festival Internacional de Cine Independiente (Bafici). Y no por
casualidad. Se trata de un cineasta que ha hecho escuela y que, además, es
uno de los más prolíficos en el país.
   Nada más en la anterior edición del Bafici, Perrone (Ituzaingó, 1952)
presentó tres largometrajes ("Cuentito de Navidad", 2004; "Nosotrosdos",
2005; "Tarde de verano", 2006), y cuenta con una abultada filmografía
integrada por trece cortos y diez largos, en su mayoría grabados en diversos
formatos de video y ambientados en su ciudad natal.
  Pero si lo suyo hoy es moneda corriente, no lo era hace dos décadas.
Aunque, en su caso, siempre fue fiel a un mismo estilo. "Si me pongo a mirar
atrás, no he filmado de otra manera. Todas mis películas han mantenido la
constante de planos secuencia muy largos, imágenes en las que supuestamente
no pasa nada y personajes de la cotidianeidad", explicó Perrone a Reporter.
   Y sobre una constante en su filmografía convertida en moda, no expresó
ningún tipo de preocupación. Todo lo contrario. "No me detengo a fijarme si
las películas de otros se parecen a las mías. Soy consciente de que hay
demasiadas similitudes y está bien que pase. No me preocupa porque sé que la
moda pasa y lo que queda es lo auténtico", sentenció.
   Si de autenticidad se trata, Perrone señaló que la escasez de dinero para
realizar sus películas lo marcó a fuego y le hizo crear un estilo propio que
mantiene al día de hoy. Un estilo que no cambiaría aún si dispusiera de un
mayor presupuesto para realizar su cine.
   "Si tuviera más plata haría mayor cantidad de películas pero no cambiaría
mi estilo -indicó-; porque, justamente, de la falta de presupuesto hice mi
estilo".
   Tan particular forma de filmar fue elegida en el Bafici para el cierre de
la Selección Oficial Argentina. Perrone estará presente con su película
"Canadá" (2006), protagonizada por Heber Huang y Jacqueline Cordero, un
joven chino y su novia argentina que sospecha que será próximamente
abandonada.
   Con una trama resuelta más a través de climas visuales y una cámara
contemplativa que por los diálogos entre los dos personajes, "Canadá" plasma
una relación de pareja -con dos personajes extremadamente sencillos- bajo
amenaza, en esta caso por la supuesta ida del joven chino a Canadá, país en
el que vive su hermana. (Reporter)

LL

Ana Belén: "Soy una eterna estudiante"

   Buenos Aires, 10 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). Casi un
lustro demoró Ana Belén en editar nuevo material. Finalmente llegó
 "Anatomía", no con retraso sino con dedicación de una artista detallista al
máximo y, sobre todas las cosas, amante de la "emoción" a la hora de
escuchar una canción. "La emoción es lo que nos mueve -confiesa-, no ya a la
hora de elegir el repertorio sino simplemente como oyentes".
   "Anatomía" llega después de "Viva l'Italia" (2003) y el disco en conjunto
con su esposo Víctor Manuel "Una canción me trajo aquí" (2005), en una
carrera larga y prolífica si las hay en la música española.
   Ana belén comenzó a hacer música en 1965 con las canciones de la película
"Zampo y yo" con apenas 15 años y hoy, a pesar del indiscutido suceso de su
carrera, se confiesa una "eterna estudiante".
   "Anatomía" -cuyo nombre se lo guardó Ana desde su disco "Mírame" en el
que aparecía desnuda en la portada y para el cual le pareció una
redundancia-, es un disco que presenta trece canciones inéditas con letras
de Joaquín Sabina, Bebe, Víctor Manuel y, como atractivo especial por lo
emotivo, de su hijo Diego San José.
   Como si todo esto fuera poco, el responsable de a producción artística
del trabajo es Javier Limón, actualmente el más codiciado en su rol en la
canción de habla hispana y toda una garantía de excelencia.
   En diálogo telefónico con Reporter desde Madrid, la artista no se ahorró
elogios para con su productor y también expresó su deseo de mostrar el nuevo
material en la Argentina. Aunque no será pronto. Antes, girará por su propio
país con un repertorio de canciones cuasi-autobiográficas.
   + ¿Qué tuvo en cuenta al elegir el repertorio de un disco que llega tras
cuatro años sin editar material inédito?
   Yo soy una persona permanentemente en duda y esto no me ayuda a la hora
de elegir. o sí. Cuando elijo una canción siempre pienso "¿estaré haciendo
lo correcto?". Creo que en la respuesta hay intuición y también emoción. La
emoción es lo que nos mueve, no ya a la hora de elegir el repertorio sino
simplemente como oyentes. Cuando escuchamos una canción, nos emociona porque
nos ha tocado una fibra íntima importante, porque reafirma lo que pensamos.
y una canción hasta tiene una función terapéutica. Esta primera emoción que
me produce una canción es lo importante. Luego, cuando la grabo, la visto de
largo y de fiesta. pero no se puede olvidar aquella primera emoción.
   + ¿Qué tanto le influye el contexto musical de su país e internacional a
la hora de grabar un disco?
   Particularmente "Anatomía" es un disco que me ha tenido con las antenas
bien puestas en la creatividad. Soy una eterna estudiante y así como me
influye lo que pasa en el mundo de la música me influye hasta que salga el
sol o llueva. Soy muy susceptible al entorno.
   + A pesar de tener tantos años de carrera, ¿con Javier Limón como
productor se sigue aprendiendo?
   Con Javier Limón teníamos amigos en común de hace tiempo. ¡Los dos nos
teníamos ganas! Me ha ayudado a ordenar muchas cosas que tenía planeadas
antes de empezar a grabar. Es un hombre muy cercano al artista y, como tal,
admite cualquier sugerencia. Es un entusiasta y ha sido una delicia trabajar
con él.
   + ¿Tiene ganas de presentar su nuevo disco en la Argentina?
   Hay muchas peticiones de gente de allí para conocer el disco en directo.
Creo que es un disco que tiene los ingredientes necesarios como para que le
guste al público argentino y, sobre todo, le despierte curiosidad. Tengo
ganas de cantarlo en la Argentina. (Reporter)

LL

Attaque 77 plasma el Apocalipsis argentino en su álbum "Karmagedon"

   Buenos Aires, 5 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). Son muchos los que asociarán "Karmagedon", nombre del flamante álbum de Attaque 77, a "Armaggedon" en su variante de videojuego o de película dirigida por Michael Bay y protagonizada por Bruce Willis, Liv Tyler y Ben Affleck. Y menos serán los que lo asociarán con el vocablo bíblico que refiere a la "revelación" o "Apocalipsis", que no es otra cosa que el desastre fatal y terrible que aguarda a la humanidad y que se puede traducir en el fin del mundo. Pero es en este sentido en el que va el trabajo.
   "… jugar con las palabras que oímos día a día, combinarlas o deformarlas a modo de ejercicio inconsciente, como lo hacen los niños, te puede llevar a resultados graciosos, disparatados y más de una vez reveladores…", dicen los integrantes de Ataque 77 para justificar el nombre de su novedad discográfica.
   La portada muestra una vista aérea de Buenos Aires con una autopista colapsada por el tránsito. Ciro, Mariano, Luciano y Leo recorren, en coche, la ciudad. En el viaje, el paisaje que prima es el del deterioro diario al cual todos y cada uno de los argentinos se acostumbró en tanto sociedad.
   En el disco se suceden personajes como el político corrupto ("Buenos aires en llamas"), el cartonero ("Cartonero"), la mujer golpeada ("Vórtice") y hasta el rockero autocrítico ("Frente al espejo").
   Pero, amén de lo que indican su título y su portada, no todo es caos en "Karmagedon". Su lírica no solamente denuncia lo que está pasando social y políticamente en la Argentina. Invita a la reflexión y a la acción.
   "Si es que parece que así vamos nomás / con la cabeza baja y sin ganas de mirar / sin una sonrisa, inertes y a pura agresividad / y a vos no te conforman con esta realidad / porque sos un loquito sensacional / que vas con la esperanza en piloto automático sin más… / y yo me siento igual, quiero morir viviendo… y no vivir muriendo", dice la letra de "Ejército de salvación", algo así como el oasis de optimismo de "Karmagedon". (Reporter)
 
LL

Cromagnon muestra que el rock argentino es caótico, según Attaque 77

   Buenos Aires, 5 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). "Es el karma de esta humanidad / que elige por instinto el camino del caos", dicen los miembros de Attaque 77 desde su canción "Karmagedon". Y, ¿qué pasa particularmente con la sociedad argentina y más en concreto con el rock local? ¿Qué tanto caos hay? "Un punto que muestra el caos en el rock argentino es Cromagnon", sentenció Luciano Scaglione.
   "En nuestra comunidad artística tuvimos un acontecimiento que nos hizo repensar muchísimas cosas. Por otro lado, cuenta a viva voz algo que estaba pasando que, lamentablemente, hoy sigue pasando. Porque después de Cromagnon no ha habido una gran conscientización; los pendejos, si pudieran, seguirían llevando bengalas a los recitales", explicó Luciano a Reporter.
   Según el artista, "el caos social que vive el ser humano hoy se ve reflejado en una cancha de fútbol cuando se pudre todo, se ve reflejado en los cortes de ruta o manifestaciones que, está bien, cada uno tiene derecho a ejercer su reclamo, pero eso hasta qué punto no jode la vida de otro ser humano también".
   Para Luciano, quienes más cerca del caos están son las generaciones más jóvenes, porque "las drogas de diseño son jodidas y el flagelo de la pasta base es también muy jodido". A lo cual hay que sumar que "a muchos les ayuda más aún a estar a la deriva el uso excesivo de Internet", según aportó Ciro Pertusi.
   "Cromagnon es una marca generacional –indicó el cantante-. Por algo estalló ahora. Es la generación 'bingo'. Estaban dadas todas las condiciones, sólo faltaba una generación que acompañara: la madre joven embarazada, el chico que está inmerso en un abismo…la educación o, mejor dicho, la no educación, el posmenemismo…"
   Luciano agregó que "lo sufre esa generación pero lo provocan las generaciones más grandes, que son los políticos y los gobernantes y los tipos que no controlaron, y los que habilitaron el lugar. Hay una mezcla de responsabilidades y eso quiere decir que no es generacional. No le pasa a los de 18 a 25".
   Por su parte, Ciro, consideró que Cromagnon "es un resultado colectivo. No creer que todos tuvimos un grado de responsabilidad es entrar en un facilismo y decir 'y bueno, que vayan en cana los culpables'".
   "Si van en cana todos los implicados directos, van en cana (Omar) Chabán, los pibes de Callejeros, la seguridad, los inspectores, el jefe de gobierno, la policía… van en cana todos esos y entonces ya está, ya se arregló todo. No, porque, inmediatamente, a los dos días que pasó eso, en fin de año, estaba toda la gente tirando petardos –explicó Ciro-. Entonces, hasta que no se asuma el error y la responsabilidad general no se aprende".
   Y Luciano agregó que, "con el tema del tránsito, hay un Cromagnon cada diez días. Mueren diez personas por día y no sólo no hay un plan contundente desde el Gobierno sino desde nosotros mismos. Está todo tan habilitado y tan armado para que así sea que sos parte del caos. Hay una curva en la Panamericana que dice que tenés que doblar a 40; nadie dobla a 40 porque si doblás a 40 te matás o te mata el que viene atrás". (Reporter)
 
LL

Para Attaque 77, "Gran Hermano" es ejemplo de ridiculez

   Buenos Aires, 5 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). "Nuestros hijos siempre devorando bacanal por televisión", dice la letra de "Karmagedon", la canción que da título al nuevo disco de Attaque 77. Y, si de televisión se trata, para Ciro Pertusi y Luciano Scaglione el súmmum de la ridiculez en la pantalla chica es el reality show "Gran Hermano".
   "Los participantes de 'Gran Hermano' regalan su cuerpo, su vida, su mente, para, de un día para otro, ser famosos. No son nada; no son artistas, no son deportistas, no son cantantes, no tienen ningún talento de ningún tipo. Arman una estructura que los pone en categoría y catálogo de famosos. O sea, de un día para otro, son famosos sin ningún mérito y, encima, todos los demás programas de la televisión se nutren de eso", señaló Luciano.
   El bajista de Attaque agregó que, "estos tipos, encima, están re-orgullosos. Porque creen que llegaron a algo porque llegaron a un espacio televisivo".
   "Y quién carajo puede vivir pretendiendo que un espacio televisivo le da jerarquía, le da valor humano, le da grandeza, le da sabiduría, le da salud mental, le da amor… es ridículo –dijo Luciano-. Ese es el tema, que hoy te venden algo ridículo. Este tipo de cosas nos enoja y hace que salga un 'Karmagedon'".
   "El mayor rating de la televisión lo tiene 'Gran Hermano' –explicó Ciro-. Me hago cargo de mi costado fascista y la verdad que tengo ganas de que mueran todos, que explote esa casa y que mueran todos ellos. No me importa nada. Que mueran delante de sus familias. Ellos y los productores. Todos". (Reporter)
 
LL

Attaque 77: "La revolución empieza por casa"

   Buenos Aires, 5 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). El nuevo álbum de Attaque 77 se llama "Karmagedon" y su eslogan es que "la humanidad elige por instinto el camino del caos". Esta banda de punk rock que ya cuenta con dos décadas de carrera y diecisiete discos editados se siente parte del caos pero no es autista. Todo lo contrario. En tiempos en los que lo usual es mirar al costado, Attaque no se conforma con aportar su granito de arena sino que brega por la revolución misma. Entonces, ¿el punk sí tiene futuro?
   "La revolución empieza por casa", dijo a Reporter Ciro Pertusi, cantante y guitarrista de la banda que completan Mariano Martínez en guitarra y voces, Luciano Scaglione en bajo y voces y Leonardo De Cecco en batería y percusión.
   Ocurre que para Ciro, "la humanidad es una mierda; nadie puede estar sin pasar por encima del otro y hay abusos de todos hacia todos, todo el tiempo". Y acaso esta situación extrema es lo que lo motiva, como a la banda toda, a revertir las cosas. "El cantante de Bad Religion, Greg Graffin, decía que el punk es progreso personal para lograr el progreso comunal", espetó.
   Así, en el nuevo disco de Attaque no solamente hay crítica social y política sino también autocrítica. Y Luciano Scaglione fue más que concreto en este sentido. "Estamos todos engrampados, por haber hecho o por no haber hecho", dijo.
   "El disco, desde el arte de tapa, nos muestra a nosotros dentro de la situación. No nos ponemos en un pedestal y decimos 'nosotros hicimos las cosas bien'. Hay mucho de autocrítica", aportó, por su parte, Ciro.
   + ¿En los discos de Attaque sí o sí tiene que estar presente la fauna social y política argentina contemporánea? ¿Es una marca del grupo retratar arquetipos?
   Luciano: No está pensado intencionalmente. Por ejemplo, el tema "Buenos Aires en llamas" no se hizo pensando en un año electoral…
   Ciro: Somos despistados de ciertas cosas puntuales que pasan y que todo el mundo sabe, como que todo el mundo sabe cuándo son las Pascuas… Fue muy loco, porque hubo dos coincidencias llamativas. Porque yo, no estando instruido sobre la realidad, no leyendo el diario todos los días, lógicamente por sensibilidad artística me doy cuenta de lo que pasa. La tapa del disco, el tema hoy en boga de emergencia vial, nosotros lo empezamos a trabajar en agosto de 2006. La idea era hacer el arte en la autopista porque ya nos estaba volviendo locos el tránsito. El comportamiento del tránsito refleja un poco lo que pasa en la sociedad. Lo otro, que el corte de difusión es "Buenos Aires en llamas" y habla mucho de la cuestión pre-electoral… No tengo por qué demostrar que no fue a drede pero a lo que apunta el tema no es a la cuestión de elecciones por los votos en sí sino más que nada a la cuestión de elección nuestra de cada día, a la elección de vida. Obviamente están todos estos ñatos de fondo y uno se deja enganchar y engañar en que esta ciudad es super segura para vivir y paguemos y paguemos para estar seguros y es una mentira y están todos muertos de hambre. Y no nos van a decir que es un caos porque la gente va a entrar en estado de pánico.
   Luciano: Nadie se hace cargo de cómo son las cosas. No tenemos un presidente que nos diga "yo sé que nos estamos cagando de hambre, pero hago lo mejor que puedo". No te dicen eso, te dicen "hemos incrementado el trabajo y bla bla bla…". Te venden una sanata que no es necesaria porque la gente tampoco es tan estúpida. Nuestros abuelos lo decían; vivían puteando cuando tenían la edad de ser abuelos. Porque la gente empieza a putear cuando tiene 70 años, como punks importados de Londres en los años 70.
   Ciro: Un poco porque se dieron cuenta de que se les fue la vida y no pudieron cambiar las cosas a tiempo. Nosotros sabemos que podemos generar un cambio. No es ya "y… aportamos el granito de arena". No, sabemos que lo podemos generar el cambio, lo podemos hacer. No lo va a generar la gente culta que cree que está más allá porque no ve "Gran Hermano" y porque no votaron a (Carlos) Menem, porque creen que hicieron las cosas bien. La sociedad es un contrato en el que nos cabe la letrita chica también y a todos.
   + Lo que critican es justamente lo que los nutre como banda a nivel compositivo…
   Luciano: Podés no tener ganas de decir lo que pasa y también es respetable. No quiere decir que todos los artistas o todos los rockeros estén obligados a contar lo que pasa.
   Ciro: Si bien la tapa está bajando una línea clarísima, cada canción tiene vida propia. Las canciones que yo escribo se nutren mucho de la cuestión visual de cine o de película y la nievecita que cae al final no siempre es real, pero hace a la cuestión y provoca una emoción. No todos son hechos netamente reales; sí hay un setenta por ciento de cada una de las canciones que es real, pero están nutridas con un montón de imágenes y fantasía que es un recurso si se quiere poético, sin pecar de grandilocuente. Y hay algunas que son completamente directas, como "Cartonero", y el color y la creatividad está más en la música. O como el tema de los monos ("Monos"), que tiene más una cuestión metafórica. O el tema de la violencia contra la mujer en "Vórtice".
   Luciano: Hay un enojo que sobresale. Una cosa de putear por no estar de acuerdo y estar angustiados por lo que vemos. Por eso predomina. Sino el disco se llamaría "Amor azul". Y habría todas canciones de amor.
   + ¿Lo que no los mata los fortalece?
   Luciano: Hacer una canción para nosotros es un antídoto. Por un rato, porque no te va a curar, obviamente, estaría buenísimo, pero por lo menos es lo que nosotros tenemos. Tenemos la suerte y la posibilidad de expresar nuestro descontento por haber atravesado veinte años de trayectoria y seguir y que haya un recambio de público y un montón de otras situaciones buenas. Tenemos la suerte de atravesar esta vida de mierda que está llena de frustraciones y de situaciones que no nos gustan diciéndolo. Y eso no le pasa a cualquiera. Cualquier tipo que a la siete de la mañana se toma el Sarmiento y no puede entrar y lo empujan tiene ganas de estar en un medio, en una radio o donde sea diciendo "che, esto es una mierda". Vos te subís a un colectivo a las siete de la mañana y todos tienen ganas de decir lo que les pasa. Cuando el cronista va y le pregunta a alguien cómo viajó, todos están sacados y le quieren decir "para el orto, hijo de puta". Y eso es lo mejor que les pasó en el día, que justo vino el periodista a preguntarles cómo se sienten. Y dicen "¿cómo me voy a sentir, si estoy esperando hace tres horas para subir al tren y no puedo, porque estoy embarazada, porque soy anciano…?". Todo el tiempo se generan situaciones de marginalidad. Todo está al margen. Todo está complicado, dificultoso…. Vivimos en un gran margen.
   + A pesar de que está todo mal, en la lírica de Attaque se esboza una "esperanza", tal como ocurre en la canción "Ejército de salvación"… ¿Qué tanto tiene que ver esta esperanza con el "no hay futuro" del punk? ¿Qué le queda a Attaque 77 del punk original del que alguna vez se nutrió?
   Ciro: Ocurrió con Los Beatles, con los primero rockeros que agarraron la guitarra y revolucionaron todo y, así, por décadas y décadas. El hipismo también tuvo lo mismo, y el mismo punk rock, y el grunge en los 90 o el heavy metal en los 80. Hay una actitud,  vos tenés un sentimiento dentro que creés que sirve para genera cambios, de cosas que te gustaría que cambien porque no te gustan, porque te mantienen descontento. Está presente, pero no tiene nada que ver con el estilo musical.
   Luciano: De la ideología punk nos atraen un montón de cosas que se propusieron en el 76, 77, pero que no se pueden llevar a la práctica y de hecho hoy no existen. Y si vamos a hablar de la música del punk rock, nos gusta la energía, nos gusta el Marshall distorsionado, nos gusta la velocidad, la intensidad, lo radical, eso sigue estando buenísimo. De lo ideológico lo que nos queda es hacer lo que se nos canten las pelotas sin importarnos nada, ni lo que diga el más fan, ni lo que diga el menos fan, ni lo que diga la compañía discográfica, ni lo que diga el manager. Porque, ante la adversidad actual, el disco es nuestra esperanza. Porque podemos decir lo que queremos y estamos contentos con eso. Que no es poco. (Reporter)
 
LL

"La gente es la principal fuente de información", según el productor general de TN Ricardo Pipino

   Buenos Aires, 4 de abril (Reporter, por Laura Lunardelli). Allá lejos y hace tiempo parte minúscula de la programación, hoy las señales de noticias se han convertido no solamente en protagonistas excluyentes de la televisión sino que representan fuertes intereses tanto a nivel económico como ideológico-político. Pero tan incontrolables monstruos tienen coto en un cada vez más activo televidente que, hoy día, hasta hace periodismo. "La gente es la principal fuente de información", asegura el productor general de Todo Noticias (TN) Ricardo Pipino.
   Ocurre que el espectador ya no es tal. Convidado por otro tipo de géneros, como el reality show y de talentos, se ha hecho omnipresente en la pantalla chica. Al punto de ser una voz periodística más. ¿Existe una nueva forma de hacer periodismo? ¿Qué tanto tuvieron que acomodarse las señales de noticias a este activo público?
   Si ha dejado una marca indeleble el periodista y escritor Tom Wolfe es ser, nada más ni nada menos, el padre de lo que en la década del 60 se llamó "Nuevo Periodismo". Mentor del realismo si los hay y colaborador de publicaciones como The Washington Post, Esquirer y New York Herald además de autor de la novela "La hoguera de las vanidades", según este hombre el periodista tenía que sumergirse donde "pasaban las cosas", había que "tomar contacto con completos desconocidos, meterse en sus vidas de alguna manera, hacer preguntas a las que no tenían derecho natural a tener respuesta, pretender ver cosas que no se tenían por qué ver".
   Entre esta entonces osada propuesta de hacer periodismo y la tele audiencia absolutamente activa de hoy hay una empatía importante. Porque el público se ha inmiscuido de tal forma en la producción de la noticia como para gestarla él mismo. Avances tecnológicos de por medio, claro está.
   "En Internet hay muchas páginas para ver, pero muy pocas para participar", dice el spot de "TN y la gente", el sitio Web de la señal TN creado especialmente para que el espectador deje de serlo. "Vas a poder aportar 'tu mirada' sobre la realidad. Ahora vas a poder ser parte", concluye la misma publicidad.
   "La gente es nuestra principal fuente de información", dijo a Reporter Ricardo Pipino, productor general de TN, para dar cuenta de un fenómeno que, ya no quedan dudas, llegó para quedarse. "La gente es la fuente que siempre ha nutrido a la televisión, con información que tiene que ver con sus necesidades pero también con denuncias, protestas y casos que los mismos periodistas desconocían", sentenció.
   Según el mismo Pipino, "'TN y la gente' es una continuidad de la forma en que se hace periodismo de un tiempo a esta parte. El público siempre ha tenido presencia en los medios acercando información y esto es un paso más en el camino de comunicación de la televisión y la gente".
   Este fenómeno participativo que se da en la Argentina en el ámbito de las noticias tiene un contexto internacional acorde. La revista Time, en reconocimiento al crecimiento y la influencia del público en general en el contenido de Internet, ha nombrado a "Usted" la Persona del Año 2006.
   Desde 1927 Time ha nombrado Personas del Año, y en su lista de elegidos figuran desde Adolfo Hitler (1938) y George W. Bush (2004) hasta Bill Gates (2005) y Bono de U2 (2005). El objetivo es identificar a la persona que más influyó en las noticias mundiales. Entre los nominados de este último año estuvieron el presidente de Irán, Mahmoud Ahmadinejad; el líder de China, Hu Jintao; y el mandatario de Corea del Norte, Kim Jong-il. Pero la revista eligió al público del mundo entero por tomar el control de los medios globales y llenar el mundo virtual de la Web. 
   Time citó websites como YouTube, Facebook, MySpace y Wikipedia, que permiten a los usuarios interactuar con la red, cargando información y publicando sus propios
comentarios, videos, películas y links. "Se trata de los muchos poderes de pocos, ayudándose unos a otros por nada y cómo eso no solamente cambiará el mundo sino también la forma en que el mundo cambiará", puntualizó Lev Grossman, de la revista Time. (Reporter)
 
LL

Chayanne: "El tiempo es la riqueza más grande que tenemos los seres humanos"

   Buenos Aires, 28 de marzo (Reporter). El artista puertorriqueño de pop Chayanne está de visita en la Argentina para promocionar "Mi tiempo", un álbum en el que invita a reflexionar acerca de cómo usamos el tiempo y qué tanto se le dedica al trabajo y qué tanto a los afectos. "Vivimos tan rápido que uno a veces deja de pensar en la pareja", espetó.
   "El tiempo es la riqueza más grande que tenemos los seres humanos y por eso tenemos que saber distribuirlo. Yo digo que si el día tuviera 48 horas sería fantástico, porque usaría este tiempo extra para estar viendo una película, hacer deporte y estar con la familia… pero uno también tiene que trabajar", dijo Chayanne, en rueda de prensa.
   Justamente el single de su álbum "Mi tiempo" se llama "Si nos quedara poco tiempo" y hace referencia a lo que haría una persona si se diera cuenta de que ha estado desperdiciando uno de sus bienes más preciados –precisamente el tiempo-, y no lo ha aprovechado para estar con los seres que ama.
   Pero para Chayanne, cada instante con los suyos es precioso. "Yo disfruto el día a día, lo que pasa es que, producto de mi profesión, llevo muchas ausencias –explicó-. Por eso cuando estoy en casa trato de vivir lo que está haciendo mi familia y no traer lo que yo hago. Vamos a comer una pizza, vamos al teatro… Hay que prestar atención a estos detalles porque hoy en día se vive muy rápido, no se puede evitar. Vivimos tan rápido que uno a veces deja de pensar en la pareja. Y el disco tiene eso… Te dice que no conviertas tu relación en una rutina".
   Particularmente respecto de sus hijos, Chayanne comentó que trata de sumarse a su mundo, y los ve hasta en cada mínimo intervalo que le permiten sus giras. "Ahora mismo me voy a Miami y después a Colorado y en medio puedo pasar unos días con ellos –dijo-. En día de semana es más duro porque hay escuela, pero si es fin de semana puedes desde tirarle la pelota de tenis hasta ir al cine. Me voy al mundo de ellos y ni les hablo de lo que hago. Yo me voy al mundo de las actividades que puedan tener ellos, como puede ser un partido de básquet… y les enseño lo que pueda; la idea es compartir".
   Si de tiempo se trata, la carrera de Chayanne se inició hace ya un largo rato. En los años 80 cobró fama como parte del grupo Los Chicos y después se convirtió en solista, grabando una veintena de álbumes.
   Sin embargo, cada álbum y cada show emocionan al artista como el primer día. "Espero que los fans no se cansen porque yo no me he cansado. Siento que cada disco es como el primero y siento emoción cuando lo hago. Pero cuando yo sienta que la gente se aturda o ya no sea lo mismo en principio me volveré a Puerto Rico y después… no sé…".
   Claro que aún falta para que culmine la carrera de Chayanne. Es más, para el artista que volverá a la Argentina en unos meses para mostrar en vivo su nuevo material hay más que un sueño pendiente.
   "Quiero seguir en la actuación y voy a seguir. Pero para hacer esa actividad tienes que cumplir con un proceso muy complejo. Es algo que tengo pendiente", dijo quien protagonizó en cine las películas "Los Chicos en conexión Caribe" y  "Linda Sara", del director Jacobo Morales; y "Dance with me", junto a la reconocida actriz Vanessa Williams. Chayanne también estuvo al frente de la telenovela argentina "Provócame" y participó como artista invitado en la serie de televisión estadounidense "Ally McBeal".
   "Pendientes tengo muchas cosas; cuando miro para atrás en el tiempo me alegro de lo que he hecho y me gusta mirar como ha ido ascendiendo mi carrera… como una escalera. Pero yo pienso en lo que estoy haciendo ahora, pienso en un nuevo disco, pienso en la gira, por eso me siento fresco cuando lo estoy haciendo; siento como si hubiese empezado ahora mismo", puntualizó.
   Aunque entre sus cuentas pendientes no está el regatón. "Me gusta la música en general. Me gustan todos los géneros y respeto todos los géneros", dijo Chayanne, atento a no herir susceptibilidades, cuando se le preguntó si le gustaba el regatón. Y negó que este género le esté quitando espacio a la música latina. Acaso porque lo considera una moda que, como tal, no causa alarma. (Reporter)
 
LL

Alejandro Sanz: Un músico que excede el universo femenino adolescente

Buenos Aires, 24 de marzo (Reporter, por Laura Lunardelli). Con el estadio River Plate por escenario, el cantante pop Alejandro Sanz ofreció en la Ciudad de Buenos Aries un concierto en el que demostró que su música excede los hits predilectos de un universo femenino adolescente. El español hizo gala de su raíz flamenca y deleitó a la concurrencia tocando el piano y la guitarra.

Por más de dos horas se extendió el recital con el que Alejandro Sanz presentó ante el público porteño su flamante álbum "El tren de los momentos". Acaso porque el trabajo fue lanzado hacia fines del año pasado los temas más celebrados por el público fueron los más antiguos e incluso los del disco anterior, "No es lo mismo".

Apenas diez minutos después de lo previsto, a las 22.10, se apagó la luz en el predio de Núñez para dar paso a los aullidos de la concurrencia, que esperaba ansiosa la aparición de Sanz. El músico se mostró en el escenario tras una introducción en la que se escucharon sirenas de tren y ruidos de máquina de locomotora, acordes al título de su último trabajo.

"Atención: 'El tren de los momentos' efectuará su llegada a Buenos Aires en breves instantes", se escuchó por altavoz, cual en una estación ferroviaria. Y entonces llegó Sanz, de jean y saco azul sobre remera al tono y con una guitarra eléctrica que sólo dejaría para cambiarla por la acústica o por el piano.

La canción que abrió el show fue la que da nombre al álbum más nuevo, "El tren de los momentos". Y, después de sonar "En las plantas de tus pies", llegó el tan esperado saludo del artista para con su público.

"Buenos Aires buenas noches… buenas noches a todos ustedes que están aquí. Hemos luchado mucho para estar esta noche aquí pero merece la pena. Queremos invitarles esta noche a este viaje que es 'El tren de los momentos'; seguro que caben todos. Esta noche es nuestra", dijo, y el publico respondió con un afectuoso "olé / olé / olé / olé / Ale / Ale".

"Quisiera ser", "Enséñame tus manos", "A la primera persona", "La peleíta", "Cuando nadie me ve" -con el predio iluminado por los celulares del público- y "Corazón partío" -con la concurrencia toda haciendo palmas-, fueron las canciones que siguieron en un show con una puesta impecable en cuanto a luces y escenografía pero con un sonido que nunca se acomodó totalmente y que recién fue digno de tan relevante presentación a partir del tercer tema.

Y Sanz siguió hablando con su público, a pesar de su expresa parquedad. "En este mundo nuestro un poco loco siempre hay un punto en el que podemos converger -dijo, y mencionó como puntos de encuentro posibles entre la gente desde la música hasta el fútbol-. Más que buscar diferencias hay que buscar juntos la igualdad. Más que de diferentes religiones y de diferentes países somos todos iguales".

"Donde convergemos", "Regálame la silla donde te esperé", "Se lo dices tú", "Labana" -con Sanz bailando y arengando al público a imitarlo- y "Mi soledad y yo" siguieron en el desarrollo del show, antes de una serie de canciones enganchadas que fueron las más coreadas y entre las que estuvieron "La fuerza del corazón", "Amiga mía", "Y, ¿si fuera ella?" y "El alma al aire".

"Hemos llegado al final…", dijo Sanz, y la concurrencia contestó con silbidos porque nadie quería que se terminara el show. "Me gustaría ser más elocuente, pero hay dos cosas que me faltan en la vida: una es patinar y la otra es hablar. ¡Gracias! Tendría que saber qué decir ahora… Los quiero guardar en mi corazón. Nos estaremos viendo. Gracias de corazón Buenos Aires… Argentina", dijo, promediando hora y media de show, y antes de interpretar "Try to save your s'ong".

Para los bises Sanz eligió un set acústico aflamencado que incluyó "Todo es de color" y después volvió a la electricidad con "Te lo agradezco pero no" y una fan como cantante invitada -para la envida del resto, claro está-.

"Ahora sí… Muchas gracias Buenos Aires. Nos vemos por ahí… nos vemos en el camino. Hasta la próxima. Gracias", se despidió, finalmente, Sanz. Y como cierre, tras dos horas y diez minutos de show, sonó una de sus más afamadas canciones de todas las épocas: "No es lo mismo". (Reporter)

LL

Emotiva a la vez que aburrida vuelta de Susana Giménez a la televisión

Buenos Aires, 22 de marzo (Reporter, por Laura Lunardelli). La tan esperada vuelta de Susana Giménez a la televisión al fin se concretó. Su debut en el canal de siempre (Telefe) y en su horario habitual (las 20) tras un año de ausencia tuvo una emotiva apertura alusiva a sus veinte años en la pantalla chica aunque un aburrido desarrollo que hizo foco en los integrantes de "El circo de las estrellas", una especie de reality show que, acorde a los tiempos que corren, será parte fundamental de la temporada 2007 de "Susana Giménez".

"¿Vieron que hay que irse para que a uno lo reciban así? Hay que irse para que a uno lo reciban con tanto amor…", dijo la diva de los teléfonos apenas pisó el grandioso estudio de Telefe en la primera entrega 2007 de "Susana Giménez".

Como apertura musical -con la melodía que la acompaña hace ya muchos años-, la blonda estrella bajó de un lujoso auto y llegó directamente a los estudios de Telefe para dar inicio a su tan esperado ciclo. Claro está, fue recibida por su séquito de bailarines o "susanos" y se emocionó ante varios minutos de aplausos.

"No puedo creer que cumplimos veinte años juntos. Ni yo lo creo. En estos veinte años han pasado tantas cosas…", dijo, y aludió a sus cambios "de casa, de productor, de canal, de maridos. "Menos de peluquero y de forma de ser he cambiado todo -bromeó-; fui agasajada, premiada, criticada, pero gracias a ustedes me sentí siempre muy apoyada. Porque ustedes son el motor y mi alegría, por eso necesito tenerlos cada día".

Visiblemente emocionada, al punto de prometer no llegar al llanto, Susana siguió agradeciendo a su público. "Gracias por todos y cada uno de estos días. Los amo a todos y les agradezco que me hayan acompañado y que me hayan recibido en sus casas, sin permiso, durante veinte años. Esto no es común en la televisión… no se está veinte años en un programa", dijo la estrella, que fue vestida para la ocasión por Carlos Di Doménico, con un vestido negro con encaje y cola.

Con el estudio repleto de flores y presentes -de parte de personajes de la talla de Julio Iglesias, Alejandro Sanz y Mirtha Legrand, entre muchos otros-, la apertura de "Susana Giménez" no contó, sin embargo, con las visitas habituales. "No está Ricardo… Hoy el programa está dedicado al circo", dijo la actriz y conductora, en alusión a su habitual cábala de invitar a su ex pareja y amigo Ricardo Darín al primer programa de cada temporada.

Y ocurrió tal como lo dijo "Su". El programa estuvo dedicado a "El circo de las estrellas". Una pena porque la hora pasada sin cortes publicitarios por la que se extendió la entrega fue harto aburrida.

Tras recibir uno por uno a los integrantes del reality, entre los que se cuentan supuestas estrellas como Toti Ciliberti, Paula Colombini, Leticia Brédice, Esteban Prol, Nazareno Casero, Agustina Córdoba, Paula Trápani, María Fernanda Callejón, Divina Gloria, Pablito Ruiz, Juan Alberto Mateyko, Natalia Pastorutti y Serafín Dengra, todos pasaron al living de la conductora para charlar sobre qué tan difícil les resultó aprender desde malabares hasta la vertical o la medialuna.

Intercalados con la charla se pasaron tapes que dieron cuenta de la evolución (y no tanto) de las "estrellas" en su aprendizaje circense, desde el primer día de entrenamiento.

"Esto no es joda", se lo escuchó decir al ex rugbier Serafín Dengra, consciente de lo dificultoso que es aprender a hacer malabares. Y, en el caso de Divina Gloria, directamente lo que se vio fue su enojo, producto de no poder cumplir con la rutina exigida, en este caso la medialuna. A otros se los vió directamente agotados por el entrenamiento, como fue el caso de los excedidos de peso Toti Ciliberti y Juan Alberto Mateyko.

No ocurrió en el debut de Susana nada más importante que esta charla entre improvisados aprendices de circo. Para el segundo programa quedaron la visita del cantante pop Chayanne, la caracterización de Antonio Gasalla como "la abuela", un nuevo sketch denominado "Gilda Superstar" y el primer llamado telefónico nada menos que por cien mil pesos. Y, claro está, quedó pendiente el ritmo al que la estrella tiene acostumbrado a su público desde hace veinte años. (Reporter)

LL

La cinta española de Cesc Gay "Ficció" ganó el premio Astor de Oro en el Festival de Mar del Plata

Mar del Plata, 17 de marzo (Reporter, por Laura Lunardelli). La película española "Ficció" de Cesc Gay ganó el premio Astor de Oro al mejor largometraje en la edición número 22 del "Festival Internacional de Cine de Mar del Plata". En la Competencia Latinoamericana, el máximo galardón fue para la argentina "M" de Nicolás Prividera.

"Ficció" (2006, España) es de realización del catalán Cesc Gay y, en cierto modo en forma autobiográfica, hace foco en la crisis de un director de cine cuarentón que, a pesar de ser feliz con su esposa e hijos, se enamora de una mujer con la que nunca consuma su idilio. Actúan Eduard Fernández, Javier Cámara, Montse Germán, Carmen Pla y Ágata Roca.

"El premio para mí es que la película sea distribuida en la Argentina", dijo Gay, al momento de recibir el Astor. Porque, para un realizador, por estos días, nada más que su película pueda ser vista ya es importante.

La entrega del máximo galardón del festival fue precedida por una alocución del presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) Jorge Álvarez, quien aprovechó la ocasión para dar cuenta de lo bien que le fue a la muestra en cifras y, además, despidió al director artístico Miguel Pereyra.

"El INCAA quiere darle la despedida de esta reunión anual y el buen augurio en el camino que va a emprender el amigo Pereyra", dijo Álvarez, en alusión a la decisión del director de la muestra de dedicarse de lleno a su carrera cinematográfica como realizador.

Luego, Álvarez informó a los presentes en la sala Astor Piazzolla del Hotel Provincial sobre qué tan bien le ha ido a este festival. "Quiero compartir algunos datos con ustedes", dijo, y señaló como datos 350 películas, 800 funciones, 16 mil actividades especiales, 200 mil espectadores (sin contar la maratón final de 24 horas con proyecciones gratuitas) y 250 mil pesos depositados en la cuenta de damnificados por las inundaciones en Mar del Plata el 8 de marzo.

Para volver a la Competencia Oficial, cuyo jurado estuvo integrado por Charles Burnett (Estados Unidos), Emilia Atef (Alemania) Adriana Chiesa Di Palma (Italia), Jay Jeon (Corea del Sur) y Marcelo Piñeyro (Argentina), hay que decir que el Premio Especial del Jurado, precisamente, fue para "Jardins en Automne" (Francia-Italia-Rusia, 2006) de Otar Iosseliani.

El Astor de Plata al Mejor Director fue para Marina Spada por "Come l´ombra" (Italia, 2006) y Hong Sang-Soo por "Woman on the beach" (Corea del Sur, 2006), el Astor de Plata a la Mejor Actriz para Sandra Hüller por "Madonnas" (Alemania-Suiza-Bélgica, 2006) de Carlos Diegues, el Astor de Plata al Mejor Actor para el argentino Carlos Resta por "La Peli" (Argentina, 2007) de Gustavo Postiglione) y el Astor de Plata al Mejor Guión para Zaza Rusadze y Dito Tsintsadze por "The man from the Embassy" (Alemania, 2006), de Dito Tsintsadze).

En el caso de la Mención Especial, recayó sobre "O mayor amor do mundo" (Brasil, 2007) de Carlos Diegues.

En la Competencia Latinoamericana, implementada en la actual edición con el premio denominado Ernesto "Che" Guevara, el máximo reconocimiento fue para "M" (Argentina, 2007). En esta cinta, Nicolás Prividera plantea que, a pesar de que en su caso está buscando en particular a su madre desaparecida en 1976 durante el último gobierno militar, el tema de los desaparecidos es un problema de la sociedad argentina toda.

Además de haber ganado "M" como Mejor Película en la Competencia Latinoamericana, cuyo jurado estuvo integrado por Teresa Toledo Cabrera (Cuba), Carlos Diegues (Brasil), Carlos Chicho Durán (Perú), Víctor Gaviria (Colombia) y Federico León (Argentina), la Mención especial fue para "O Ceú de Suely" (Brasil-Francia-Alemania-Portugal, 2006) de Karim Aïnouz y para "Tierra Roja" (Paraguay, 2006) de Ramiro Gómez.

Cabe señalar que la máxima ganadora "Ficció" resume una tendencia que se dio en la presente muestra marplatense de exhibición de cintas que muestran conflictos existenciales de gente de entre 30 y 40 años y, sobremanera, de gente vinculada al cine. Tal fue el caso de otras cintas, además de la ganadora, como por ejemplo "La peli" y "Ciudad en celo", también en Competencia Oficial.

Y respecto de la Competencia Latinoamericana hay que decir que la triunfadora "M" también da cuenta de una inclinación de los directores a mostrar sucesos políticos y sociales característicos de la región: desde revoluciones hasta gobiernos dictatoriales y desaparecidos.

Un premio de gran relevancia en una muestra como la marplatense, en la que la gente acompañó desde el primer día hasta el último la proyección de las películas y también las charlas y clases magistrales con los directores y actores, es el votado por el público. En la actual edición este reconocimiento fue obtenido por la cinta del argentino Hernán Gaffet "Ciudad en celo". (Reporter)

LL

"Lo más difícil de la animación es escribir un guión", según David Sproxton de Aardman Animation

Mar del Plata, 17 de marzo (Reporter, por Laura Lunardelli). Una de las actividades que mayor cantidad de público atrajo en la edición número 22 del "Festival Internacional de Cine de Mar del Plata" fue el dictado de "Clases magistrales" por parte de grandes nombres de la realización en el séptimo arte. Tal es el caso del experto en animación David Sproxton, que tuvo gran convocatoria en su explicación de cómo se realizaron filmes de la relevancia de "Wallace and Gromit", "Pollitos en fuga" y "Lo que el agua se llevó".

Junto a su co-equiper Peter Lord, David Sproxton está en la muestra marplatense, en el marco de "Caloi en su tinta", un segmento dedicado a la animación que incluye exhibición de filmes pero también charlas abiertas con sus realizadores.

Con varios premios Oscar en su haber y múltiples nominaciones, los responsables de Aarman Animation trabajan con lo más novedoso en técnicas de animación pero sin dejar de lado la tarea artesanal que realizaban cuando surgió en ellos esta vocación, en oportunidad de concurrir juntos a la escuela, allá por los años 70.

Acaso por mantener el costado "artesanal" de su trabajo, esta dupla considera que la tecnología no lo es todo al momento de desarrollar personajes de animación. En el caso particular de Sproxton, esta máxima fue parte de su discurso durante la clase magistral que dictó en el Hotel Provincial de Mar del Plata, ante un público que excedió la capacidad de la sala.

"Lo más difícil de la animación es escribir un guión, y no la animación en sí", dijo, terminante, Sproxton. Según el realizador, tal como ocurre en cualquier otro tipo de películas, "lo más importante es mantener la atención de la audiencia". Y, para ellos, nada mejor que personajes tan atractivos como los de la factoría Aarman Animation.

Así, Sproxton deleitó a la concurrencia con los detalles de cómo se desarrollaron los "muñecos" protagonistas de filmes como "Wallace and Gromit: La maldición de las verduras", "Pollitos en fuga" y "Lo que el agua se llevó".

Y el público agradecido a la vez que en estado de fascinación ante las explicaciones técnicas y las anécdotas sobre el surgimiento y desarrollo de tan queridos personajes del cine. (Reporter)

LL

"La Renga en el ojo del Huracán": Celebración del rock en su significado primigenio

Buenos Aires, 14 de noviembre (Reporter, por Laura Lunardelli). "La Renga en
el ojo del Huracán" es un DVD que plasma el show que La Renga ofreció el 4
de diciembre de 2004 en el estadio de Huracán. Se trata de un trabajo que
impacta por la originalidad de un escenario con batería giratoria en medio
del campo y la abultada cifra de 50 mil concurrentes. Pero si hay un dato
trascendente es una convocatoria realizada a través del "boca a boca" y sin
publicidad alguna.
"Bienvenidos a 'El ojo del Huracán'. Se ve que el viento llegó muy lejos
porque de este boca a boca se han enterado todos... Misiones, San Juan...
Gracias a todos por venir", dice en la primera de sus alocuciones Gustavo
"Chizzo" Nápoli, voz y guitarra de la banda que completan Gabriel "Tete"
Iglesias en bajo, Jorge "Tanque" Iglesias en batería, Gabriel "Chiflo"
Sánchez en saxo y trompeta y Manuel "Manu" Varela en armónica.
Pavada de comentario el de Chizzo. Porque, demás está decir, ningún artista
de rock ni en la Argentina ni en ningún sitio es capaz de reunir a 50 mil
fans sin hacer uso de la maquinaria del mainstream. Es más, a nadie se le
ocurriría. Hasta el 4 de diciembre de 2004, claro está.
En los últimos años, más que una banda -tanto del mercado anglo como
hispano- volvió a las fuentes para recrear un estilo setentista tanto a
nivel compositivo como en la forma de tocar y grabar rock.
Pero ningún artista se había atrevido a traer a la memoria de seguidores y
detractores del género sus mismos orígenes. Entre fines de la década del 60
y principios del 70, el rock argentino se conformó como movimiento
contestatario, como una opción distinta, cuando reemplazó completamente a la
música impuesta a la juventud a través de los medios masivos. Poco y nada
tardó en ser fagocitada esta inconveniente actitud rockera por un mercado en
el que hasta el arte -en este caso la música- se intercambia como una
mercancía más.
"Cuando quisimos largar esto sin publicidad, no pensamos que iba a ser tan
grande la convocatoria. 'Los mismos de siempre' han vencido", dijo, hacia el
final del show, Chizzo. La frase parece parte de un relato épico. Pero hace
referencia, en realidad, al triunfo de los fans de La Renga (los máximos
protagonistas de esta historia, apodados "Los mismos de siempre") sobre un
mercado que quiere controlarlo todo.
Precisamente para satisfacción de los seguidores de La Renga y también para
los genuinos amantes del rock, el DVD es un emotivo registro de lo ocurrido
el 4 de diciembre de 2004 en el predio de Parque Patricios. Decena y media
de cámaras distribuidas a lo largo y a lo ancho de Huracán registraron un
show de características únicas por el armado de escenario: en el centro del
campo y con batería giratoria.
Casi una treintena de canciones se sucedieron aquel día, a lo largo de las
tres horas que duró el recital de "los toritos" de Mataderos. Se sucedieron,
entre otras composiciones, "A tu lado", "Tripa y corazón", "Las cosas que
hace", "En el baldío", "Detonador de sueños", "Estalla", "Míralos",
"Oportunidad oportuna", "El ojo del huracán", "El viento que todo empuja",
"Triste canción de amor", "Voy a bailar a la nave del olvido", "La balada
del diablo y la muerte", "Hiela sangre", "El final es en donde partí", "La
razón que te demora" y "El revelde".
El recital tuvo un invitado de lujo para quienes asistieron en aquella
oportunidad y para quienes accedan ahora a través del DVD: Norberto "Pappo"
Napolitano. Presentado como "un amigo que anda siempre con el motor entre
las piernas", el eximio guitarrista que justamente falleció en un accidente
de moto se sumó a La Renga para hacer juntos el tema de Neil Young "Hey,
hey, my, my".
"El rock and roll no morirá jamás", dice, precisamente, la recreación del
tema de Neil Young. Y así será mientras pueda ser difundido por algún camino
alternativo a los autoritarios dictámenes de la industria cultural.
"Encontrarás tantos caminos alternativos a los impuestos como corazones
sangrando", dice el texto de un comunicado firmado por La Renga y
distribuido a sus fans en Huracán para que quede claro que no hay una única
vía de acceso al arte. Para que quede claro que se puede realizar un
concierto de rock sin publicidad y publicaciones pagas.
Para quien no lo crea posible, basta con mirar el DVD "La Renga en el ojo
del Huracán", que será lanzado el próximo 23 de noviembre. El trabajo cuenta
con dirección de Diego Stokelj y Martín López y producción general de
Sebastián Arcidiácono. La mezcla de audio fue realizada por Álvaro Villagra
en Estudio Del Abasto al Pasto de Buens Aires (Argentina) y la masterización
por David Santos en Estudio BJM Audio de Los Ángles, California (Estados
Unidos). (Reporter)
LL

"Cada vez que puedo estoy con el mate en la mano", dice la argentinísima Chenoa

Buenos Aires, 27 de noviembre (Reporter, por Laura Lunardelli). El primer
sitio en el que vivió Chenoa cuando llegó a España fue Mallorca. Pero, por
estos días, está radicada en Madrid junto a sus padres, una abuela y su
hermano. A pesar de que no escatima asado ni mate, la joven marplatense
recuerda con añoranza su tierra natal, Argentina.
Una de las cosas que hace sentirse "como en casa" a Chenoa es conservar el
acento argentino. Y, claro está, estar rodeada de su núcleo familiar más
íntimo. A pesar de que, ya independizada, vive sola en Madrid.
+ ¿Cómo recordás tu niñez en la Argentina?
El recuerdo más bonito que tengo de cuando era chica es de cuando aprendí
patín en la peatonal de Mar del Plata. Pero no soy de extrañar demasiado
porque no estoy desconectada. Me fui con ocho años y dejé bastante familia
entre tíos y primos y abuelos. Pero nos hablamos todo el tiempo y nos vemos
mucho también. Lo que recuerdo con mucho amor, sí, es cuando viajábamos con
mis padres de gira por Buenos Aires. Ellos salían a tocar y nos llevaban a
mí y a mi hermano. Y yo dormía en el bombo de la batería de la banda.
+ ¿Hay algo que añores en particular?
No, porque cada vez que se puede estamos con asado y con el mate en la mano.
Y mantenemos el acento argentino; si hasta hablamos de "vos". (Reporter)
LL

Chenoa: "El dinero y la fama no alcanzan para que una persona sea feliz"

Buenos Aires, 27 de noviembre (Reporter, por Laura Lunardelli). Chenoa es
una de las voces hispanas con mayor proyección internacional a partir de su
participación en el concurso "Eurobest" que llevó su música a países como
Italia, Inglaterra y Francia y es una gran vendedora de discos desde su paso
por el reality español "Operación Triunfo". Sin embargo, asegura que la fama
y el dinero no hacen la felicidad.
"El dinero y la fama no alcanzan para que una persona sea feliz", lanza, en
diálogo telefónico desde Madrid, la joven artista marplatense radicada en
España desde los ocho años.
Hija de padres músicos, María Laura Corradini nació en Mar del Plata en 1976
y se trasladó de niña a Mallorca, donde adoptó el nombre artístico de
Chenoa, término que en idioma sioux significa Paloma Blanca.
Chenoa incursionó de muy chica en la música, pero conoció la popularidad a
partir de su participación en la primera edición española del reality show
"Operación Triunfo", donde no solamente obtuvo el cuarto lugar sino que
conoció a quien sería su gran amor, el cantante también del concurso David
Bisbal, de quien se separó el año pasado.
En lo que respecta exclusivamente a lo musical, Chenoa es una de las
artistas más exitosas de las egresadas de "Operación Triunfo". Acaso porque
su carrera venía gestándose desde que la joven tiene uso de razón. En 2003
ganó el concurso "Eurobest", una competencia organizada entre todos los
ganadores de las ediciones europeas del programa "Operación Triunfo", y así
se proyectó internacionalmente hacia Italia, Inglaterra y Francia. Y en 2004
realizó una gira por América Latina que la trajo de vuelta a la Argentina,
su país natal.
"Nada es igual" es su tercera placa tras su debut homónimo y "Soy mujer". Y
"Rutinas" es el primer corte de difusión de un trabajo en el que parecen
estar plasmadas cuantiosas heridas, amorosas y hasta profesionales.
"Todo el mundo sigue hablando y nadie está escuchando / sufrimientos que
tragar mientras se sigue andando / construir en un espacio la alegría que
anhelé / la conseguiré (.) Caminando entre el trafico siempre hay atascos /
que me frenan el impulso de saltar los charcos / cómo es que no me atrevo a
hacer nada sin dudar / vale de pensar", dice Chenoa desde "Rutinas".
+ Desde "Rutinas", el primer corte de tu álbum "Nada es igual", decís "la
alegría que anhelé la conseguiré". ¿Qué tanto te ayuda tu profesión a
alcanzar esa tan anhelada alegría?
Más que tratarse sobre mi propia alegría esta canción contiene un mensaje
para que todos logren ser felices en algún momento del día. Porque no se es
feliz las 24 horas del día ni se es feliz con dinero y fama. El dinero y la
fama no alcanzan para que una persona sea feliz.
+ ¿Y qué tan rutinaria hace tu vida la fama y tu profesión en sí?
Siempre hay momentos rutinarios producto de esta profesión. Antes de grabar
un disco llevaba ya diez años cantando y creo que eso fue lo más rutinario
en mi relación con la música. Ahora estoy cantando lo que quiero, pero tardé
en lograrlo. Creo que lo rutinario para mí fue todo lo previo, mismo en la
música, antes de poder hacer lo que yo realmente quería.
+ ¿Cómo vivís la experiencia de haber alcanzado el mercado internacional a
partir del concurso "Eurobest" en el que se te eligió la mejor de "Operación
Triunfo"?
Fue algo bueno en todos los aspectos en que se mire. Yo no tenía ninguna
expectativa. Pero fue muy importante porque me ayudó a llegar a países que
no hablan mi lengua y eso es un honor. Es bueno que el mensaje llegue a la
mayor cantidad de gente posible. Pero soy consciente de que para esto hay
que trabajar duro. No es una cosa que se logre de la noche a la mañana. Soy
muy paciente a la vez que muy tenaz.
+ ¿Creés que hubieras alcanzado la fama de no ser por "Operación Triunfo"?
Todo el rato lo pienso y doy gracias a ese momento. Porque sé que, de no
mediar "Operación Triunfo", hubiera seguido cantando como lo venía haciendo
y hubiera seguido en el camino de la música por tradición familiar. Pero así
se aceleró el proceso.
+ En "Operación Triunfo" conociste también a David Bisbal. ¿Mantienen una
relación al menos a nivel profesional? ¿Se muestran respectivamente la
música que hacen, por ejemplo? ¿Son amigos?
No es que no hable del tema porque me incomode sino porque uno tiene que
guardarse las cosas íntimas para uno mismo. Si me preguntás con quién
consulto sobre lo que hago, sobre mi música y mi carrera, consulto con mi
gente más íntima. Consulto con mi padre, con mi madre que canta de maravilla
y con mis amigos.
+ ¿Qué opinás de las críticas que se hacen a los realities de búsqueda de
talentos musicales tipo "Operación Triunfo"?
A mí particularmente no me han hecho crítica por ese lado porque vengo de
una vida musical. La música era mi medio de vida antes de participar en
"Operación Triunfo"; yo pagaba el alquiler, la luz y el agua gracias a la
música. (Reporter)
LL

Enrique Pinti exalta el ser nacional en "Pingo argentino"

Buenos Aires, 6 de enero (Reporter, por Laura Lunardelli). Enrique Pinti estrenó "Pingo argentino" en el Teatro Maipo. Se trata de un espectáculo en el que una vez más se vuelve a exaltar el ser nacional, claro que con una vuelta de tuerca y una actualización tales como para que el público disfrute de todos y cada uno de los monólogos y musicales de un escritor y actor del talento del autor de "Salsa criolla" y "Candombe nacional".

Es inevitable nombrar anteriores espectáculos de Enrique Pinti a la hora de hablar de "Pingo argentino", porque están realizados en una misma línea. Y el mismo Pinti acota durante la puesta que, como en "Salsa criolla", otra vez vuelve a hablar de la historia argentina. Claro que el motivo es válido. Hay que aprender de una vez por todas la historia argentina para no cometer los mismos errores.

Y vaya si "Pingo argentino" habla de los errores argentinos. Pero con tal cuota de ironía como para que tantos errores y horrores puedan formar parte de un show teatral musical divertido y de primer nivel.

A la voz de "largaron", "Pingo argentino" se inicia con un musical que hace alusión a "la gran frustración" como "la meta argentina" y Pinti vestido de jockey -gorro albiceleste incluido-, sobre un caballo purasangre al que con su peso le ha roto el lomo, en una metáfora de lo que el argentino hizo con su país.

"Acá estoy otra vez, a caballo de la historia", dice Pinti sobre su pingo, al que definió como "el símbolo del país".

"El caballo es un símbolo patrio, es la República Argentina. Tiene todas las condiciones para ganar pero nunca gana. Porque los jockeys tienen mi peso", acotó el histriónico actor. Y ahí nomás dio comienzo a un musical en el que habló de la crisis mundial -desde el 11 de septiembre hasta la guerra de Irak, el hambre y los migrantes- y de la crisis nacional -con alusiones al presidente Néstor Kirchner y la "reina" Cristina (Kirchner), por ejemplo-.

Producto de la gran crisis a la que aluden los textos de Pinti, el actor llega a la conclusión de que "nos han convertido en un cementerio". Y, al preguntarse "¿qué tenemos en la cabeza?", como para permitir que los gobernantes hagan y deshagan a su antojo, ofrece algo así como una clase sobre el interior del cerebro argentino.

Con puntero en mano y un cerebro gigante en escena, explica que el cerebro del "medio pelo argentino" está conformado mitad de materia gris y mitad de materia fecal. Por lo tanto, habrá dos tipos de argentinos según la materia que prevalezca.

Y nada mejor que un recorrido por la historia argentina para saber qué tipo de ser nacional prevaleció en cada momento y en cada decisión importante en la conformación de un país.

Así, se pasa revista a una cuantiosa galería de próceres y delincuentes políticos. Aparecen desde Juan de Garay, José de San Martín, Manuel Belgrano y Mariano Moreno hasta Juan Domingo Perón, López Rega, los dictadores militares, Raúl Alfonsín, Carlos Menem y Fernando De la Rúa.

"Lo peor de la historia argentina es la monotonía; porque nos revientan y nos vuelven a reventar", dice Pinti, para concluir que hay una serie de vedettes culpables de la crisis a nivel planetario. Entonces bajan por la escalera del Maipo, sin plumas pero cual divas, la globalización, la contaminación, la corrupción, la impunidad y la inseguridad.

"La realidad no me deja margen para la esperanza", explica Pinti, tras tanta penuria narrada. Y rememora una pesadilla que le sirve de pretexto para dar cuenta de una luz entre tanta tiniebla.

Porque, tal como lo hizo en algún otro espectáculo, rescata el valor del artista a la hora de paliar tanto desconsuelo. Y entre la mención de queridas figuras como Tato Bores, Luis Sandrini y Ana María Campoy alega que "hay que rescatar a la gente que hace reír", y resalta el valor de un espectáculo a través del cual intenta decirle al mundo "que hay que pasarla lo mejor posible" en medio de tanto cambalache discepoliano.

Y Pinti logra su cometido. Porque, al menos en lo que respecta a su debut, el público que colmó el Maipo respondió con risas pero también comprensivamente respecto de una realidad que es nefasta pero que es la realidad argentina al fin.

En "Pingo argentino" Pinti está secundado por un equipo de virtuosos, tal como queda demostrado en la impecable puesta. La dirección y coreografías son de Ricky Pashkus, la música de Julián Vat, la coreografía de tap de Rodrigo Cristófaro, el diseño de iluminación de Omar Possematto, el diseño de escenografía de Oria Puppo, el diseño de vestuario de Renata Schussheim y la producción artística de Lino Patalano.

Al genial Enrique Pinti, responsable del libro y las canciones, lo acompañan Diego Hodara, Mariela Moumdjian, Andrea Buosi, Verónica Garbarello, Mara Moyano, Carla Noval, Leandro Heredia, Federico Moore, Roberto Peloni, Carlos Pérez, Pedro Velásquez, Jimena González y Pablo Juin.

"Pingo argentino" se podrá ver en el Maipo los miércoles, jueves, viernes y domingos a las 21 y los sábados a las 21 y a las 23. (Reporter)

LL

Nerdkids hará en el verano lo que hace en todas las estaciones del año: rock

Buenos Aires, 28 de diciembre (Reporter, por Laura Lunardelli). Nerdkids
acaba de llegar de México, donde presentó su flamante material "BubbleGlam".
Con una sensibilidad inusual en el rock argento, acaso producto de su corta
edad, este combo asegura que no le interesa la fama y sí disentir con la
música mediatizada. "Queremos demostrar que hay otras formas de pensar y de
sentir las cosas que las que dictan la televisión y las revistas", espetan
estos adolescentes.
Son amigos desde hace una década, lo cual es mucho cuando uno apenas supera
los veinte. Y tal como ocurría cuando eran unos niñitos, los integrantes de
Nerdkids se juntan a hacer música exclusivamente por gusto y placer.
Con su disco "BubbleGlam" lanzado por Universal Music, Sole Nerd (bajo),
Pablo Cassano (guitarra), Russ (batería), Aquiles Bianchi Salazar (teclados
y programaciones) y Mön (voz) han logrado en el escenario del rock argentino
una importante notoriedad pero no por ello pierden de vista su objetivo.
"Tratamos de cambiar la sociedad", sentencian. Y no sólo se animan en estas
pampas sino en el exterior.
Porque sus canciones estuvieron sonando en vivo en México. Y les fue más que
bien, porque además de anécdotas musicales trajeron vocabulario azteza. Así
lo narraron a Reporter.
+ ¿Qué balance hacen de su estancia en México?
Mön: Bien, la gira promocional a México en relación a la edición de
"BubbleGlam" en dicho país fue realmente muy dinámica y vertiginosa, cargada
de las emociones que producen en primer lugar conocer tierras nunca antes
visitadas y por otro lado recibir atención tan amena de parte de personas
completamente ajenas a nuestra idiosincrasia. Hacer un balance más profundo
después de haber visitado por primera vez durante veinte días y de una forma
tan acelerada un país que solo en su ciudad capital concentra casi toda la
población de la Republica Argentina me parece un poco precoz, pero lo que
puedo destacar es que la gente tiene un maravilloso sentido del humor que le
ayuda a paliar con excelente predisposición el trajín caótico cotidiano, ese
mismo respeto y paciencia lo tienen a la hora del rock, tal vez por
entusiasmo, ese entusiasmo que muchos de nosotros hemos perdido por tener
una cultura rockera de casi cuarenta años; el rock nacional mexicano se
fundamenta a mediados de los 80. Por ahora a nosotros nos fue macanudamente
"padrísimo", veamos que pasa dentro de diez años.
+ ¿Pueden relatar alguna anécdota?
Mön: Teníamos que tocar en el festival de una radio importante que se
realizaba en una cancha de fútbol (no el Azteca, aclara el mismo músico) a
cinco horas del D.F. y los organizadores se enteraron que Nerdkids tiene un
"bataca" (batero, nueva aclaración) zurdo y que no hacen playback, cinco
minutos antes del show. Así que sin ningún remordimiento se subieron a
escena y dieron vuelta la batería mientras el grupo anterior seguía tocando
en plan de "hago como que toco" y el baterista ni se inmutaba con una cara
de felicidad digna de Ken. ¡No mames buey! Al fin hicimos de las nuestras en
vivo. Ah! Sólo por dos rolas (canciones, nueva traducción).
+ Más allá de las diferencias que pueda haber entre el rock argentino y el
mexicano, ¿cómo definen su propio estilo musical?
Mön: Hay un gran estilo en el que nos encuadramos que es el del rock. Pero a
nosotros nos gusta la música. Por ejemplo, cuando empezamos, hacíamos ska y
punk. Y "Tu estilo es un free pass" es una canción disco. Y también estamos
preparando un tema reggae. No decimos "vamos con esta bandera". Aunque nos
entendemos más rápido con el rock.
+ ¿Qué influencias reconocen en su música?
Mön: Las influencias son tantas. Siempre aparece un Pixies por ahí.
Pablo: Están Los Abuelos de la Nada, Ramones, Red Hot, Nirvana, Bee Gees.
Russ: Gloria Trevi, Xuxa, Pizzicato Five, Sandro, Nino Bravo, José Luis
Perales, Los Shakers, Rolling Stones, Todos Tus Muertos, Mano Negra.
Sole: ¡Todos escuchamos demasiadas cosas!
+ Son oriundos de La Plata, ¿consideran que tienen una marca platense, por
haber surgido en esta ciudad grandes nombres del rock nacional?
Mön: Nadie es profeta en su propia tierra. Hay muchas bandas en La Plata.
Pablo: Como escena under es muy exigente y un gran campo de fogueo, es muy
difícil empezar tocando en La Plata.
Russ: No sólo hay muchas bandas sino también mucha envidia, porque los que
te van a ver todos tienen bandas.
Mön: Si te va bien en La Plata o al menos te sostenés, el resto no es tan
difícil.
+ ¿Cuál era su máxima aspiración al formar la banda?
Mön: ¡No aspirábamos a nada! (risas interminables). En realidad, la
aspiración era transmitir un mensaje, tratar de cambiar la sociedad y
mostrar que hay otro tipo de comunicación. La verdad no está en la
televisión o en lo que dicen las revistas, que privilegian lo exterior, como
que una persona esté gorda o flaca, como si eso fuera lo más importante.
Queremos demostrar que hay otras formas de pensar y de sentir las cosas. Que
nuestra música sea tan amplia y no cerrada tiene que ver con esto.
+ ¿Tienen planes para el verano?
Mön: Queremos seguir siendo lo que somos y haciendo lo que hacemos en todas
las estaciones del año. (Reporter)
LL

En 2006 los argentinos descargaron 608 millones de canciones de Internet en forma ilegal

Buenos Aires, 22 de diciembre (Reporter). En el año 2006 se descargaron 608
millones de canciones de Internet sin pagar derechos en la Argentina, según
un estudio realizado por la consultora Knack para la Cámara Argentina de
Productores de Fonogramas y Videogramas (CAPIF).
El estudio se dividió en tres módulos para abarcar los aspectos de manera
cualitativa y cuantitativa. Para el abordaje cuantitativo se realizaron
encuestas sobre una muestra de 600 "bajadores de música" (aquellos que
descargaron desde Internet al menos una canción en el último mes) de entre
11 y 35 años, de Capital Federal, Gran Buenos Aires, Rosario, Córdoba,
Mendoza, Neuquén y Tucumán. Mientras que para conformar los aspectos
cualitativos se trabajó en base a seis grupos focales y nueve entrevistas en
profundidad realizadas a expertos sobre música y tecnología.
El estudio estima que, durante el año 2006, los argentinos descargaron 608
millones y medio de canciones desde Internet a través de programas que
permiten el intercambio de archivos musicales no autorizados, en la mayoría
de los casos, infringiendo las leyes de propiedad intelectual.
Este número muestra un incremento con respecto a las descargas estimadas
durante el año 2005 (412 millones), aumento que se debe al crecimiento de
los abonos de banda ancha en hogares, pero también la explosión y
consolidación de los cibercafés, como lugares de conexión y descarga.
El estudio muestra que el 62 por ciento de los "bajadores" se ha iniciado en
el último año, y que este número se compone principalmente de lo que el
estudio llama "bajadores intermitentes", caracterizados por pertenecer a NES
más bajos, con una frecuencia de bajada menor a una vez por semana, y que
baja en promedio cinco canciones por semana desde locutorios o cibercafés.
Opuesto a este perfil se encontraría el "bajador permanente o histórico",
que es aquel perteneciente a NES alto/medio alto, que accede desde su hogar
a través de conexiones de banda ancha, cuya frecuencia de conexión y bajada
es diaria y llega a bajar un promedio de 28 canciones por semana.
Es por esta razón que, a pesar de haber aumentado la cantidad de personas
que tiene el hábito de bajar música desde Internet, el aumento en el número
de canciones no es directamente proporcional.
En todos los casos, la música aparece como el uso principal que se le da a
Internet (95 por ciento), seguido por el envío de e-mails (80 por ciento) y
el chat (78 por ciento). Y el género más escuchado es rock nacional o en
español.
La gratuidad no surge como única razón de las descargas a través de
programas p2p; sino que aparecen argumentos que tienen que ver con una nueva
relación y nuevos modos de consumir música donde los motores de búsqueda
dejan de ser bandas, artistas o álbumes y pasan a ser las canciones; y no
solamente las canciones favoritas, o de un mismo género, sino que prevalecen
la mezcla y la elección ecléctica de los temas favorecidos por la comodidad
tecnológica.
En esta nueva relación con la música, el 60 por ciento de los entrevistados
dijo estar de acuerdo con la idea de que "mis discos preferidos prefiero
tenerlos en CDs originales". Sin embargo, el 31 por ciento manifestó que no
le interesa tener CDs originales. A pesar de esto, según lo manifestado de
manera espontánea por los entrevistados, en los últimos tres meses compraron
en promedio 1.36 CDs originales.
Uno de los puntos del estudio indagó sobre la percepción del carácter ilegal
de distintas formas de adquirir música. El 75 por ciento de los
entrevistados manifestó conocer que comprar un CD en un puesto callejero es
ilegal, el 54 por ciento reconoció que la copia de un CD original a un CD
virgen es ilegal, y un 44 por ciento dijo reconocer que bajar canciones
gratis de Internet infringía la ley.
Al mismo tiempo, el 63 por ciento de los entrevistados manifestó saber que
esta última práctica perjudica directamente a los artistas. El 54 por ciento
de los bajadores se mostró de acuerdo con que el uso de los programas para
compartir archivos sin pagar derechos trae aparejados virus y otros
problemas de seguridad informática.
El estudio confirma que la Argentina, como es tendencia mundial, está frente
a un proceso de cambio en relación a los accesos y a las formas de escuchar
música, lo que representa una gran oportunidad para el desarrollo de nuevos
modelos de negocio para la industria musical. (Reporter)
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